E’ un museo purtroppo poco conosciuto dal grande pubblico, ma la Galleria d’Arte Moderna di Roma Capitale offre sempre piacevoli sorprese. Come viene confermato dalla proposta che dallo scorso 7 novembre viene riservata ai suoi visitatori, con “Artisti dell’Ottocento. Temi e riscoperte”, allestita fino al 14 giugno del prossimo anno. Nel panorama artistico romano tra la seconda metà dell’Ottocento e il primo ventennio del Novecento, il genere più affrontato dalla pittura di cavalletto è quello del paesaggio. Una radicale svolta in tal senso si deve soprattutto alla figura del grande pittore e patriota Nino Costa, punto di riferimento per molti artisti attivi a Roma, presente in questa sezione della mostra con la celebre opera Alla fonte o La ninfa dei boschi. La sua concezione di paesaggio, venata di istanze simboliste, ispirerà profondamente quella di pittori come Erulo Eroli, Scipione Vannutelli e Giulio Aristide Sartorio, del quale si espone una suggestiva Veduta di Ninfa. L’estetica di Sartorio si avvicina a quella di Enrico Coleman: l’intento poetico della sua veduta del lago di Nemi, realizzata nel 1909, è evidente a partire dal titolo, Speculum Dianae, secondo cui il lago è lo specchio di Diana, ovvero la luna, appena spuntata sopra il rosso cupo del tramonto. Allo stesso contesto culturale si lega la realizzazione dell’Elegia di Onorato Carlandi, visione insolita e misteriosa della natura, e de Le vergini savie e le vergini stolte di Sartorio, uno dei più significativi esempi di pittura simbolista di fine Ottocento.
L’opera rivela la vicinanza dell’artista alla pittura inglese dei preraffaelliti, conosciuta attraverso alcune riproduzioni mostrategli dal poeta Gabriele D’Annunzio e grazie all’osservazione diretta delle loro opere presenti alla mostre dell’associazione “In Arte Libertas” tra il 1890 e il 1892. Anche le sculture esposte in questa sezione della mostra delineano i diversi filoni e le correnti dell’arte romana di fine secolo; del siciliano Mario Rutelli, trasferitosi a Roma nel 1879, è esposta La naiade con cavallo marino, bozzetto per una delle “Naiadi” che lo scultore realizza per la fontana di piazza della Repubblica a Roma; il percorso continua con Duilio Cambellotti, la cui Conca dei bufali si ispira ai paesaggi acquitrinosi delle paludi pontine, e si conclude con un nudo di donna del secondo decennio del Novecento, Statuetta in bronzo – Portatrice d’acqua del napoletano Amleto Cataldi, protagonista della scultura italiana tra le due guerre.
La Galleria d’Arte Moderna di Roma Capitale annovera tra le proprie collezioni un importante nucleo di opere di artisti dell’Ottocento attivi nell’Italia settentrionale, in particolare in Piemonte, Lombardia, Liguria e Veneto. Tra queste, una delle più note è Marina – Tramonto del piemontese Pietro Sassi, in cui l’orizzonte appare lontano e indefinito; analoghi effetti di luce si ritrovano nel dipinto Lo stagno di Pietro Fragiacomo, un olio su tavola rappresentativo della pittura dell’artista triestino attivo a Venezia. La pittura veneta è inoltre ben rappresentata dalle opere della famiglia veneziana dei Ciardi: il padre Guglielmo ed i figli Beppe ed Emma, nonché da un paesaggio del veronese Ise Lebrecht, amico e discepolo del grande artista romano Antonio Mancini. Rispetto al padre Guglielmo – uno dei maggiori vedutisti veneti dell’Ottocento – Beppe Ciardi fa un uso più spregiudicato della luce e del colore, osando tinte molto accese e forti contrasti, come è possibile notare in L’antica tessera, veduta della laguna a nord di Venezia. Anche in Emma Ciardi si ritrovano perlopiù soggetti legati alla terra veneta, calati in una dimensione scenografica, quasi teatrale. Fuori del veneto, la pittura di paesaggio della seconda metà dell’Ottocento culmina nell’opera di Giovanni Segantini, che influenzò alcune delle maggiori personalità dell’arte italiana del tempo. Ciò evidente nelle opere di artisti quali il piemontese Antonio Reycend, del quale ammiriamo Gaiezze montanine, e l’autodidatta Ludovico Cavaleri, il cui luminoso Prato fiorito rivela la sua adesione al naturalismo lombardo. Allo stesso contesto si lega una delle opere più note esposte in questa sezione: l’Angolo di giardino di Angelo Morbelli. Il paesaggio, privo di figure, è identificabile in una delle vedute che l’artista realizza della Colma di Rossignano, nel Monferrato, dove si trovava la villa di famiglia.
Alle correnti simboliste del nord fanno capo anche le sculture di Giovanni Marin e di Adolfo Wildt, il cui Autoritratto realizzato nel 1909, meglio noto come Maschera del dolore, rivela il tentativo da parte dell’artista milanese di conciliare la purezza della plastica con il drammatico sentimento della disperazione.
Anche la pittura napoletana gioca un ruolo di primo piano. Un significativo contributo allo sviluppo del genere del paesaggio è dato a Napoli dal pittore olandese Anton Sminck van Pitloo, il quale nel 1816 assume la cattedra all’Accademia di Belle Arti: la sua visione estetica influenza fortemente i suoi allievi, tra cui Giacinto Gigante, presente in mostra con Paesaggio – Fuori Grotta, un piccolo ma significativo dipinto realizzato tra il 1824 e il 1835. Negli stessi anni, sono a Napoli i tre fratelli d’origine abruzzese Giuseppe, Filippo e Nicola Palizzi, convinti sostenitori del “movimento” realista e verista. Tra questi, Filippo diede l’avvio ad una pittura con soggetti animali in stretto rapporto con l’ambiente naturale: ne è prova lo Studio di animali esposto, minuzioso olio su tavola colto dal vero. Attratti dal prestigio dell’Accademia, allora una delle più importanti d’Europa, molti altri artisti arrivarono a Napoli da tutta Italia e in particolare dal centro-sud: tra questi, il foggiano Francesco Saverio Altamura, presente in mostra con un’opera del 1861, Il Tasso presso sua sorella a Sorrento, e Francesco Paolo Michetti, del quale si espone Paesaggio con pastorella, dipinto in cui la poetica bucolica dell’artista abruzzese è messa in scena con tutta la sua forza. Pur non essendosi formato a Napoli, anche il romano Pio Joris fu influenzato dalla pittura luminosa degli artisti partenopei, e ciò appare evidente in La terrazza a Sorrento, piccola ma suggestiva tela dai forti contrasti di colore e chiaroscuro; lo stesso discorso vale per il veronese Vincenzo Cabianca, il quale realizza nel 1878 alcune vedute eseguite dal vero durante il suo soggiorno in Campania. Alcuni importanti esempi di scultura chiudono questa sezione della mostra. Di chiara impronta meridionale è la produzione di Costantino Barbella, artista originario di Chieti, allievo a Napoli prima di Stanislao Lista, poi di Vincenzo Gemito: sono esposti i bronzi Soli e Canto d’Amore, quest’ultimo ammirato da Gabriele D’Annunzio. Del palermitano Ettore Ximenes si presenta l’opera dalle raffinate cadenze liberty Ecce mater, la cui prima versione in marmo, presentata alla biennale veneziana del 1905, venne acquistata da Fuad Pascià.
Non manca una curiosa serie di ritratti e autoritratti di artisti. Nel Doppio autoritratto Luigi Cochetti, nella prima metà del secolo, dipinge uno a fianco all’altro secondo un modulo neoclassico, due ritratti di Tommaso Minardi pittore faentino suo maestro. Di diversa accezione il più tardo Ritratto veneziano di Pio Joris che, secondo il gusto introdotto da Otto Messinger noto mercante e collezionista tedesco, raffigura il personaggio con un costume antico dove il tessuto cangiante accentua l’imponenza della figura. All’inizio del Novecento risale il ritratto del noto architetto e compatriota siciliano Ernesto Basile realizzato a pastello da Ettore Ximenes, a sua volta raffigurato da Matteo Corcos in un’immagine piena di eleganza che recepisce la lezione di Boldini e De Nittis. Diversamente Guglielmo Micheli raffigura il grande Fattori, pittore macchiaiolo, con l’aria semplice e bonaria di un personaggio comune mentre nell’Autoritratto del 1923 Antonio Mancini si dipinge con pennelli e tavolozza, ormai anziano ma assolutamente fiero del suo mestiere. Affascinanti appaiono i ritratti femminili, perlopiù di donne o fanciulle borghesi, dal realismo dell’immagine di Olga Castellani ritratta da Guglielmo De Sanctis alla stesura divisionista, decisamente più moderna, del torinese Cominetti in Ritratto di ragazza in bianco o del romano Anivitti nel grande ritratto di un’elegante signora borghese. Guarda invece a certe opere francesi di Giuseppe De Nittis il Ritratto di Signora del siciliano Giuseppe Micali e, nella scultura, risalta il noto Busto di Signora realizzato da Rodin tra il 1907 e il 1912, affascinante ritratto di Eva Farfaix, realizzato per ampi e morbidi piani che rendono la materia
Le opere esposte nella sezione “Classicismo e richiamo all’antico” rivelano il rapporto dell’arte dell’Ottocento con l’antico, attraverso i suoi aspetti più differenti. Furono innanzitutto gli scorci di Ercolano e Pompei – i cui scavi erano iniziati nella seconda metà del Settecento – ad ispirare molti artisti, tra cui il pugliese Alessandro La Volpe, del quale è esposta una Veduta di Pompei del 1864; poi, a Roma, le rovine della città antica e in particolare dei Fori, come attesta l’acquerello raffigurante il Foro romano di Augusto Bompiani. Particolare fortuna ebbe il filone neopompeiano, in particolare nella seconda metà dell’Ottocento. Il pittore olandese, naturalizzato inglese, Sir Lawrence Alma Tadema influenzò fortemente i pittori italiani durante i suoi soggiorni a Pompei, e in particolare il napoletano Domenico Morelli, con il quale intratteneva un fitto rapporto epistolare: il suo dipinto Oro di Napoli o Oro di Pompei costituisce in tal senso un calzante esempio, di grande raffinatezza. Alla pittura di Alma Tadema si ispira anche il romano Alessandro Pigna nel dipinto Frigidarium, realizzato nel 1882 e presentato all’Esposizione Internazionale di Roma l’anno successivo, dove fu acquistato dalla galleria capitolina. Soggetto antico ma gusto spiccatamente anticlassico è evidente nelle due opere esposte del marchigiano Adolfo de Carolis, tra cui il bozzetto per Venere e Adone, tema caro alla storia dell’arte già dal periodo rinascimentale, in cui traspare la predilezione dell’artista per le forme classiche dei corpi in torsione. Tra le sculture di questa sezione, particolarmente emblematica di una rinnovata declinazione del rapporto con l’antico è la Cleopatra di Girolamo Masini, nella quale il mito dell’eroina suicida si carica di venature intimiste; e ancora, le opere del siciliano Ettore Ximenes, tra cui la piccola figura in gesso del David e la Signora con vestaglia alla greca, in cui il riferimento alla statuaria classica è dato dalla resa dell’abito, con il suo sinuoso gioco di pieghe.
Il popolo, la vita in campagna, il lavoro, gli affetti, i momenti di solitudine e di vita comune: la quotidianità, nei suoi molteplici aspetti, è il tema di un’interessantissima sezione della mostra. Questo genere pittorico, di particolare fortuna nell’arte italiana dell’Ottocento, trae le sue lontane origini dal naturalismo caravaggesco e dalla pittura fiamminga e olandese del Seicento. Un primo esempio, tra le opere esposte, è la tela L’Indovina di Adriano Ferraresi, declinazione ottocentesca di un tema caro alla pittura del XVII secolo. La quotidianità popolare è studiata con particolare attenzione da Umberto Coromaldi, uno dei più influenti pittori romani a cavallo tra Ottocento e Novecento, il quale in Verso il paese rappresenta tre donne dai costumi variopinti dedite al lavoro con serafica compostezza; alla sua ricerca si lega strettamente quella del tutt’oggi poco noto Leopoldo Mariotti, il cui Giorno di mercato unisce le figure umane agli animali, mettendole simbolicamente sullo stesso piano. Pittura di genere in senso più stretto è la Canzone allegra del campano Vincenzo Volpe, in cui la rappresentazione del popolo è schiettamente positiva, come suggerisce lo stesso titolo, e lontana da intenti polemici. Il tema dell’intimismo è presentato in questa sezione della mostra da una selezione di alcune delle più importanti opere della collezione capitolina, tra cui, oltre alla toccante Maternità del genovese Pietro Gaudenzi, il dipinto L’Attesa del pittore napoletano Vincenzo Irolli, ritratto di fanciulla intenta a scrutare la strada da dietro una persiana. Tre sculture chiudono le sale; il gruppo delle Donne portatrici d’acqua di Ernesto Biondi, parte di un grande presepe, con evidenti richiami al verismo partenopeo; Addio Tata di Gian Giacomo Barbieri, anch’esso di stampo verista; e I civettari di Pier Enrico Astorri, gruppo in bronzo di cacciatori della campagna romana, soggetto allora molto in voga.
